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Duelo interpretativo entre George Peppard y Carroll Baker en «The Carpetbaggers»

Hay veces que para un autor es una gozada ver un film como «Los insaciables» (Edward Dmytryk, 1963). Y es un deleite por el maravilloso guion de John Michael Hayes basado en una novela de Harold Robbins.

Ahora, no tengo más remedio que visionar películas del primero y leer obras del segundo.

Porque si usara sombrero, me lo quitaría ante ellos.

Sinopsis y ficha técnica en VHS

No sospechan ustedes cómo me he regocijado con esta película. Siento tanta envidia como admiración. Ojalá, algún día, pueda escribir algo tan excelso. Un film salpicado de diálogos crudos y salvajes, y con unos personajes grandiosamente tridimensionales. Sobre todo, el de su personaje principal, encarnado por George Peppard. Un actor que los de mi generación conocimos, ya entrado en años, en la serie ochentera del «Equipo A».

Ya, lo sé. En aquella serie de televisión se dedicaba a hacer el ganso.

Sin embargo, en esta película, que merece una entrada en mi blog, se descubre como lo que es: un actor enorme.

No era tarea fácil encarnar al protagonista, inspirado en el archiconocido Howard Hughes. El actor de Detroit es capaz de interpretar toda la oscuridad y crueldad del multimillonario empresario, un bárbaro con traje y corbata, sino que además también consigue que pueda compadecerme de él. Sí, porque le entiendo.

Y eso es mérito de George Peppard en un papel hecho a su medida.

Su vacío existencial responde a un arquetipo ya conocido. El patrón de que, la gente tirana, son personas que han tenido la desgracia de haber sido criados sin amor, ni atención.

A puñetazos George Peppard y Alan Ladd

Esta película es un guantazo soberano al nuevo marxismo imperante. Al posmodernismo «progre», que reduce la vida a «buenos y malos». Sin grises. En mi sección «La matrix profunda» ya denuncio su visión binaria, y simplista, de la vida que tanto daño hace al conjunto de la sociedad.

Este impactante film, actualmente, sería políticamente incorrecto, ¡pero a un nivel de leyenda! Por tal razón, su visionado, en mi opinión, es muy necesario.

Hoy, más que nunca.

Y mucha atención a la pelea final, primero corporal y luego verbal, entre George Peppard y Alan Ladd. Me puso los pelos de punta.

FICHA TÉCNICA:

Título original: «The Carpetbaggers » (1963)

Producción: Paramount Pictures.

Dirección: Edward Dymtryk

Guion: John Michael Hayes (Novela de Harold Robbins)

Música: Elmer Bernstein

Ritxard Agirre https://ri2chard.wordpress.com/

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El protagonista Daniel Larusso (Ralph Macchio, derecha) y el antagonista Johnny Lawrence (William Zabka, izquierda)

Muchos somos los que recordamos el film de 1984 «Karate Kid», de John G. Avildsen, director también de la aclamada «Rocky» (1976).

En el final de aquella película de artes marciales de los ochenta, Johnny Lawrence, en contra de las órdenes de su sensei, felicita a Daniel LaRusso por vencer en el torneo de kárate y recibe, por su desobediencia, una buena tunda de parte de su maestro.

Más de tres décadas después, la serie retoma a ambos protagonistas y nos muestra cómo llevan sus vidas. Por supuesto, a Daniel LaRusso le va de rechupete, y al pobre de Johnny Lawrence… casi mejor véanlo por ustedes mismos, porque, en mi opinión, la serie es él.

Y es que el personaje de Daniel LaRusso siempre me pareció ñoño, aburrido y con menos carisma que un bocata de lentejas.

El dojo de «Cobra Kai» con el sensei Johnny Lawrence

No obstante, la serie nos hace entender que, dentro de esa disputa del bien contra el mal, los roles ya no son tan estáticos ni delimitados como en la película original de 1984. «Cobra Kai» nos aporta un enfoque más equilibrado, con un cambio de papeles entre el protagonista y el antagonista tan feroz como apropiado. En verdad, ni los buenos poseen tanta bondad y luz, ni los malos son tan despiadados y oscuros.

La decena de episodios que forma esta primera temporada me la zampé en un par de días, y hubo momentos en los que casi tengo que irme a un rincón a llorar de la emoción. Es de justicia añadir que la selección de temas originales de la época ayuda, y mucho, a agitar los corazones de los que ahora somos algo más que pasaditos cuarentones.

Sí, ya lo sé, soy un carroza.

«Cobra Kai» nos descubre el niño que tenemos dentro y que, durante esos diez capítulos, sale a corretear.

El poderoso mensaje que te regala la serie es que, si te oprimen, te amenazan, te fuerzan e imponen, ¡cojones!, no lloriquees, no te hundas, no te largues corriendo a sectas de autoayuda o a colgar tus problemas en Twitter, Facebook o WhatsApp.

¡Desobedece y lucha!

Johnny con uno de sus pupilos, «Halcón»

Strike First, Strike Hard, No Mercy (golpea primero, golpea fuerte, sin piedad) es el lema de la escuela de Kárate Cobra Kai y mana grandes dosis de «testiculina».

Me gustó mucho el sugestivo cambio de esos adolescentes marginados por personas llenas de autoconfianza. Muy importante el mensaje que subyace sobre el peligro de que los adultos, padres y maestros traspasen sus fobias y traumas a sus hijos y alumnos.

Solo puedo deciros que estoy deseando que llegue la segunda temporada.

Para finalizar, os dejo con mi escena predilecta: Johnny y Daniel en el coche con REO Speedwagon y ese maravilloso tema que es «Take it on the run» a todo volumen. Aparece una efímera complicidad entre ambos, resulta que tienen más cosas en común de lo que nunca hubieran sospechado.

Sin embargo, esa «hermandad» dura un suspiro…

Ritxard Agirrehttps://ri2chard.wordpress.com/

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Gary Cooper interpreta a Will Kane, sheriff de Hadleyville

Hace unas semanas degusté por segunda vez el famoso wéstern crepuscular «Solo ante el peligro» (High Noon).

Ya pasé la cuarentena y disfruto más de esas películas ahora que en mi adolescencia y juventud. Según transcurre la vida, en mi opinión, soy más consciente de esas pequeñas pinceladas que hacen grandes a las obras artísticas y, gracias a ello, las disfruto más.

Me ha pasado con clásicos como «Blade Runner» (Ridley Scott, 1982) y «2001. A Space Odyssey» (Stanley Kubrick, 1968). En su día me parecieron lentas y aburridas. Sin embargo, en un segundo visionado los comprendí como lo que son: obras maestras.

Y es que el cambio está en nosotros, porque el film sigue siendo el mismo.

Un joven Lee Van Cleef (izquierda) y primer papel en el cine

Retomando el wéstern de 1952 de Fred Zinnemann, «High Noon», es un verso a la soledad del héroe. Gary Cooper representa a ese hombre que, en algún momento, a todos los varones nos hubiera gustado ser; hoy, ese arquetipo masculino podría ser incluso más difícil de lograr que antaño por razones obvias, que todos conocemos: el bombardeo continuo sobre la «masculinidad tóxica» y la criminalización de lo masculino en general, un bombardeo bien controlado por los medios de comunicación.

Impagable el duelo interpretativo entre las dos actrices principales, Grace Kelly y Katy Jurado, donde la segunda le enseña a la primera la importancia de ser mujer y, sobre todo, esposa, al menos en aquellos tiempos duros.

En este film, la espera tiene más acción que la propia acción. El inevitable final de pistoleros languidece ante la humillación del protagonista al ser ignorado por todo el pueblo, y termina resultando conmovedor.

Duelo interpretativo de Katy Jurado (izquierda) y Grace Kelly (derecha)

Sí, ignorado; excepto por un niño y un borracho: los únicos que le ofrecen ayuda para enfrentarse a los forajidos, que llegan en el tren de mediodía para adueñarse del poblado. Nuestro protagonista, por supuesto, rechaza con dignidad el ofrecimiento de ambos, y confieso que con la oferta de auxilio del borracho me emocioné. Me emocionó cómo implora a Gary Cooper que le permita ayudarlo para así tener «una oportunidad» para salvar su honor, para dejar de ser el borrachín del pueblo, «el bueno para nada», incluso a costa de perder su propia vida.

Una pasada, amigos, esa escena.

Los buenos secundarios hacen más fuerte al protagonista. Es importante que tengan grandes papeles con los que encumbrar a la estrella principal.

Muy atentos a la música de Dimitri Tiomkin, una joya que recibió el Oscar a la mejor BSO.

Y ahora deseo contaros una anécdota personal.

«High Noon», es un verso a la soledad del héroe

Recuerdo que, en mi adolescencia, una vez una serie de macarras agredieron a uno de nuestro grupo en un bar. Creo que solo eran dos, y nosotros, tal vez, una docena.

Solamente uno de nosotros, y no fui yo, se alzó a increparlos jugándose el tipo, porque era obvio que los agresores buscaban la pelea. El resto estuvimos sentados; no nos atrevimos ni a levantarnos a apoyar a nuestro amigo agredido ni a reforzar al único que osó plantarles cara en aquella taberna, a pesar de nuestra clara superioridad numérica.

Aunque no pasó a mayores, aquella noche, y hablo por mí ya que desconozco cómo se sintió el resto, me vi como el ser humano más miserable y cobarde del universo.

Aún lo recuerdo demasiado bien.

Y es que hay ocasiones en las que la vida solo se basa en dos importantes conceptos: el MIEDO y el VALOR.

FICHA TÉCNICA:

Título original: «High Noon» (1952)

Producción: Stanley Kramer y Carl Foreman.

Dirección: Fred Zinnemann

Guion: Carl Foreman

Música: Dimitri Tiomkin

Género: Wéstern

Ritxard Agirre – https://ri2chard.wordpress.com/

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EL GRAN VÁQUEZ

Publicado: 29 julio, 2014 en Reseñas de Cine

FANTÁSTICO FILM.

Confieso que esta película me ha reconciliado con ese actor que nunca me convenció, que es Santiago Segura, y lo ha conseguido con nota ya que mis exigencias eran altas, dar vida a un personaje que tuvo un paso por el mundo cuanto menos curiosa, valiente y entrañable, amén de ser unos mis pintamonas favorito en mis tiempos mozos, ya que en mi infancia la soledad junto con un buen cómic y acompañado de algún bollo de chocolate o chucherías varias era lo mas cerca que tenía de estar en el paraíso, y así sumirme en la felicidad de la evasión, que era donde mas me gustaba estar.

Santiago Segura demuestra que amaba esos cómics en su interpretación, ya que dota a su interpretación de tal ternura a Vázquez en toda la película, que uno no puede sino sobrecogerse, su relación con las mujeres, su forma de entender la vida en forma exclusivamente en tiempo presente (“que no me entere que un hijo mío ahorra” – Vázquez dixit), con los acreedores, con sus compañeros de trabajo (fantástica complicidad con Francisco Ibáñez), y con cualquiera que rodeaba su circulo , sin dejar indiferente a nadie.
Mención aparte merecen el gran trabajo en el film de secundarios como Álex Angulo y Manolo Solo, los cuales se salen literalmente en sus interpretaciones.

El film hace las delicias de todos lo que amábamos los cómics Bruguera, y deja mas que satisfechos, léase los guiños de la vivienda de Vázquez (13 Rue del Percebe), la inspiración en la gente corriente para los mas famosos personajes secundarios de la historieta como el Superintendete Vicente ( jefe de la editorial Bruguera ), el contable se parece cuanto menos al Director del Botones Sacarino, etcétera.

Siempre que tenía en mis manos un DDT, Super Pulgarcito, Mortadelo Especial, etcétera, ojeaba a ver si aparecía algún personaje de Vázquez (siempre miraba quien firmaba esos personajes que iluminaban mi infancia, y doy gracias a todos ellos por arrancarme tantas sonrisas), sabía que si aparecía Anacleto, Gu-Gú, La Familia Trapisonda, Las Hermanas Gilda, Los Cuentos del Tío Vázquez, eran sinónimo de humor diferente, había mordacidad, surrealismo en sus viñetas y hasta un poco de mala “leche”, así se diferenciaba de los demás, que bajo la batuta entonces de la censura se dedicaban al humor blanco (a veces excesivo) ya sean Ibáñez, Rovira, Segura, Escobar, Raf,

Aunque el film tiene momentos que me he reído hasta llorar, si es cierto que al final tuve que aguantarme la lagrimita.

La mejor película que he visto y disfrutado en mucho tiempo, tal vez porque esta rodada sin pretensiones estúpidas y sí con mucho amor, que es la forma en que las cosas le llegan a uno.

Ritxard Agirrehttps://ri2chard.wordpress.com/

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